第282章
在宁远看来今年的第一天，院线行业就展现出截然不同的两个侧面。
听说环球影业已正式接管华纳兄弟在港岛和澳门地区的院线发行营销工作？
尽管华纳并未就此事进行太多解释，但有不少声音相信，此举措与电影发行背景和华纳传媒自身的整合有密切联系？
有这一系列动作在前，再加上受疫情影响，港岛地区的影院已经历三轮关闭，很难叫人不去猜测，华纳对该地区线下收益的态度究竟是怎样的？
况且作为试水新发行模式先锋的《神奇女侠1984》，确实取得一定的效果：有半数HBOMax用户在新年前观看了该片，圣诞节当天HBOMax的观看总时长，也比11月的普通周五增加了两倍，华纳显然有底气去探索更多新可能。
但就在同一天内地市场的实体院线却是另一番景象。
在《送你一朵小红花》《温暖的抱抱》《拆弹专家2》等热片的带动下，元旦节当天内地大盘直冲6亿元、创下历史纪录。
而整个元旦档三天总票房也达到近13亿元，同样是历史新高。压抑许久的实体影院，总算在新一年到来之际斩获开门红。
一面是好莱坞大片厂线下战略的撤退，从华纳内部整合的力度来看，这绝对不会是为疫情所做的短期动作。
另一面则是接连被刷新的票房纪录，这冰火两重天之间，院线行业的前景似乎显得格外魔幻。
单看内地影市，就《八佰》等片的票房表现来说，观众们始终期待着回到电影院，在有好电影时，还是会爆发出极高的观影热情。
可不稳定的影片供给和线上化的发展，却也在改变着很多人的消费习惯，即使是内地影院全面复工后，10-12月里的多数时候，影院的日子还是不好过。
这些影城是因为疫情防控暂时关门，还是因复工后经营压力过大而彻底关停？
接下来一段时间下游产业恐怕还会再起波澜，尽管从业者普遍相信春节档不会再度消失，但接下来一段时间里很多影城依旧要面临诸多压力与不确定性。
面对变化莫测的消费环境，除了发出集体抗议，实体影院和院线还能做些什么？
首先票房冷热不均的情况格外为严重，全国有数千家影院单日票房不过几百元，在扣除房租、水电、人工等硬性成本后，单日普遍处在亏损状态。
其次，作为观影主力的年轻用户和资深影迷，线下观影热情未被充分调动起来。
比面上数据更能反映产业压力的，便是在此期间仍在出现的影院关停，其中最引人注目的，当属过去几年发展颇为迅猛的泰禾影城。
所有影城都已关门，各票务平台上均搜索不到相关的售票信息。泰禾影城的关停与泰禾集团的债务危机有着较大的联系，但是否也侧面说明对于负债累累的集团来说，影院其实是一个负担较重的业务？
能在过去几年快速发展，成为影院增速、票房增长最快的的影投公司之一，除了集团本身大力投入外，也和其不计成本的扩张理念有关，为了拿下好的位置，常常开出过高的租金。
因此即便没有疫情的冲击，泰禾旗下的很多影院盈利空间也极其有限，在行业波动期内自然很难维系下去。
大盘冷热不均、观众观影积极性不高、仍不断有影城在退出市场……
复工之后的日子里，下游行业所遭遇的这些冲击，其实都指向了同一个核心问题：片荒！
这样的减量看似合情合理，但整体热度显然不及往年，很多大片改档、进口大片的缺失，复工后上映影片数量虽不少，但票房破10亿的电影仅有4部？
19年时则多达15部，其中还包括《流浪地球》《哪吒之魔童降世》等引发全民观影热的现象级影片。
类型的缺失更是一个不容忽视的问题，除《八佰》《金刚川》两部战争大制作外，剧情、喜剧等相对轻体量的影片成了票房主力，剧情片占比更是远超过往。
相反往年大热的科幻、奇幻和悬疑惊悚类题材缺失较为严重。这也侧面说明影片的供给还没有真正恢复，有不少大片其实还在观望状态。
虽然元旦档刚刚刷新了纪录，但接下来几个月里，除春节档，很多档期还相对较空、缺少话题大片。
早在去年上影节期间，就有很多资深从业者断言，因为疫情到来的连锁反应，暑期档之后行业里有可能会面临影片断档的危机，行业在短时间内会承受一定的压力。
而往长远了看，更大的变数其实是线上化。
年初《囧妈》临时转网时，很多人还认为这只是一疫情之下的特殊案例，毕竟像字节跳动这般豪掷重金买一部片子的生意，是很难被大规模复制的。
然而不管是此后国内视频平台开始尝试PVOD模式，还是迪士尼和华纳等好莱坞大厂的举措，都狠狠地驳斥这种观点。
为何不能直接由消费者来为线上内容买单？
国内虽然还没有热门影片真正试验这一模式，但至少《隐秘的角落》等剧集在超前点播等尝试的成功，已经说明用户愿意为足够好的内容买单。
比起《囧妈》的转网，更值得关注的是院线电影窗口期的缩短。票房4亿的《沐浴之王》，上映二十天后转到线上，类似的现象在几年前是很难想象的。
这种无缝衔接只能说明两个问题：线上收益可能远大于线下的长尾收益；在窗口期的博弈上，影院已经不像过去那样强势，话语权的天平开始倾斜？
宁远认为长期以来，实体院线面对线上化问题时，一直有两道防线：一是远超出线上端的盈利能力，这使得很多片方在窗口期博弈上处于弱势地位，避免因小失大、损失很多线下排片。
二是影院更出色的视听体验，是手机和家庭影院无法比拟的，因此对于强视效大片来说，线下观影一定是首选。
现如今来看第一道防线正在遭受冲击。至于第二道防线，除非技术上有革命性迭代，否则短时间内还是有其优势的。
《八佰》《金刚川》《拆弹专家2》等新片和《星际穿越》等复映片，都是重视效的电影，说明观众对这类视听体验还是有需求的。
这就是刚需！
第283章
但在手机观影便捷化的优势面前，这样的壁垒究竟还有多高、对于年轻一代的吸引力是否足够大，是需要打一个问号的。
毕竟影院是一个体验业态，但也具备很多短板，特别是时间成本。在网民日益碎片化的生活状态下，拿出三四个小时用于一项活动是很大的一个障碍。
如果手机端可以看、随时可以看，对很多用户来说就是不错的体验。
对很多人来说，线下观影的不可替代性，其实是源自于长时间所培养起来的习惯，可是对于自小就生长在数字化环境里00后10后而言，小屏幕可能才更贴合其习惯？
所以在当下的困窘外，影院产业其实已悄然走至发展的岔路口，该怎么去重筑其壁垒、深挖护城河，将关系到未来数年里的发展情况。产业革命或许会比我们以为的来得更快，不主动求变只会更加被动。
大浪淘沙！
其实不仅仅是IMAX，过去里几年包括杜比厅、巨幕在内，很多特殊影厅的票房数字、占比都呈上涨趋势。这些数字的变化，首先肯定得益于特殊影厅的增多，但其更核心的原因，还是消费者对视听体验要求的提高，愿意为这类视听效果更好的影厅付费。
视听效果可能是当下影院最重要的护城河，想要守住这道防线，就不能只满足于银幕比手机更大，而是具备真正有质变效果的价值。
在大银幕和小荧屏上看同一部电影，会有截然不同的观影体验，这同时也是很多头部电影，开始使用IMAX摄影机、高帧摄影机拍摄的原因。
不少头部的下游公司，都在积极研发新的视听、放映系统来升级视效体验，比如万达电影此前开发的X-land影厅、星轶影城研发的STARX影厅、IMAX这几年在推广升级的IMAX激光系统，其实都是针对这种变化趋势所进行的尝试。
未来，视听效果的突破升级，会成为很多公司的核心竞争力。
提到观影体验，很多人率先想到的可能都是视听效果，但实际上一家影城的观影体验，是服务质量、舒适度、卫生等多种因素所决定的。
在票务平台的影片评价里，经常可以看到有用户因为影城空调效果不好、座位舒适度不高等而打差评，实际上也是让影片替影院背了锅。
过去很长一段时间里，不少影院都将自己定位为零售行业，是在向用户兜售电影票和卖品。但是走到今天，其实影院的实质应该更贴近服务业，即影院向用户提供高溢价的观影服务。
然而最近几年，很多影院为了节省成本、减少放映机氙灯损耗而调低放映亮度，或者在保洁、前台服务上压缩人员成本，可是票面上的服务费却居高不下，从而造成一种用户付高价却没享受到相应服务的情况。
可问题是现在很多影院有服务吗？
顾客取票90%都是去机器上取，不需要影院给选座指引。放映电影也不是胶片时代了，都是TMS在控制，招聘所谓放映员几天就能培训上岗。
影院的特殊增值体现在哪里？
优质服务的缺失，使得去电影院观影的性价比也在降低。以至于当《囧妈》转网的消息发布后，网民一面倒的叫好，而当行业端就此提出抗议时，也遭到很多观众的反对。
除了免费这一实惠外，其实也是全行业为某些从业者的不规范操作背了黑锅。因此不管电影院将来的形态会怎样，提升服务的质量、完善观影体验，将会是一大重点。
排名靠前的影院，虽然基本都处在大的商业茂内，但更重要的其实是它们普遍位于居民区的聚集地或者高校附近。
在传统观念里，位于商业中心里的影院，由于客流量较大所以生意会更好，但却忽略一件事：现如今看电影已经成很多人的日常习惯，而非出门逛街时的顺带选择，所以看电影的便捷性就很重要。
在大城市去大的商业中心看一场电影，来回可能得耗费4-5个小时，过高的时间成本降低了很多人的观影欲望。而和社区贴近的影院，则大大降低这方面的影响。
首先社区型影院的出现，大大节约时间成本；其次热门商业地段已经遭到过度开发，而很多社区周围影院密度较低。
此外非热门商业地段，租金相对较低，可人流量很大，性价比其实很高；而最重要的则是社区型影院能发展复合型的业态发展模式。
疫情期间影院半数裁员、八成降薪，影院人的声音需要被听到，结果显示有超过8成的影院未能开展任何副业来缓解压力，除了资金原因，另一大桎梏就在于国内影院普遍功能相对单一，并不具备去发展多元业态的条件。
抛开停业这种特殊情况，从影院良性发展的角度来说，改变这种情况也是十分迫切的。
而一家社区附近的电影院，能够和周围的超市、文化场所进行联合，打造一个生活化的消费场景，这一块之前被忽视得很多。
电影院不应该仅仅只是一个看电影的场所，而是一种生活方式的提供者，做完整的环境才有意义、才有机会脱颖而出。
看看万达、金逸、星美、UME、卢米埃……国内单店排名靠前的影城，基本上都是大影投或大院线旗下的？
背靠大公司，好处有很多。首先在资金和运作层面能够得到足够的保障，从而在技术、管理升级上，能有更多依仗。
其次大品牌本身就是一个吸引顾客的招牌，万达电影方面就曾透露，在品牌因素加持下，万达影院的单银幕产出是行业平均值的1.6~1.8倍。
线下观影的视听效果、影院的服务质量以及附加的业态，将在未来成为影院的核心竞争力，那么背靠大公司的影院，将更有机会在大浪淘沙中立足。
再加上过去几年国内下游过于分散的问题，由头部公司主导的行业洗牌、整合无疑会是行业发展的大势。
从产业发展的现状来看，这两种模式都有各自的优势，但同时也都有相应的限制，所以很难断言哪种方式会在今后一段时间里成为主流。
但不管具体形式如何，资源整合、巨头主导，都将会是未来下游行业发展的主旋律，这也会进一步影响到包括分线发行在内的诸多产业改革。
一个能够预见的可能性是，影院会变得更加细分化！
第284章
单片付费又往前迈了一大步。
除国内和北美市场外，派拉蒙选择把《海绵宝宝》的海外发行权卖给flix。作为一部有二十余年生命力、IP在全球范围内都有庞大粉丝的好莱坞动画电影，其转身拥抱网络的选择出乎很多人的意料。
一边是上院线搏一搏，一边是未知但广阔的网络市场，以后的片子会选择哪条路还真不好说了。
这一举措给单片付费模式在电影身上的可能性又多了新的延展。过去的单片付费多指影片在院线放映结束后转网络付费观看，后来变成缩短院线放映期转网。
再到今年疫情期间，这一方式在海外和国内又进化为新片越过院线直接转网，观众通过PVOD模式在流媒体平台直接付费观看。
只不过这一次从业者们没有想到的是，国内首部以PVOD模式在海外电影市场同步上线的好莱坞动画电影会这么快地出现。
环球影业的《魔法精灵2》上线三周就拿下近亿美金，环球方面表示该片已经创造了其流媒体首发最高纪录。迪士尼的《花木兰》尽管口碑存在争议、在北美之外的院线市场票房表现不佳。
大片方和大平台合力，释放出越来越明显的信号：电影的线上单片付费，正在成为一种常态化的未来新趋势。
这次上线爱奇艺的《海绵宝宝》是的第三部作品，也是系列中第一部完全采用三维动画的电影。3D制式、网络发行，这无疑是对原有放映模式和市场规则的新挑战，毕竟要想让一部影片给观众带来不输影院的线上观影体验，技术上的适配显得尤为重要。
作为放映的平台方，也就必须进行更多的投入，做出新的硬件升级，以缩小线上放映与大银幕观影的差距。
所以此次爱奇艺也为3D版本的《海绵宝宝》进行技术适配，在视效音效上做4K、杜比音效、爱奇艺HDR等观影体验的升级，为的是让线上观影的用户在硬件条件允许的范围内获得更好的视听效果。
这种技术升级，几乎是单片付费影片上线的重要步骤。此前《春江水暖》上线期间，为了充分展现这部影片山水画般的美感、提升用户观看视听体验，爱奇艺提供4K、60帧和HDR10多种观看效果的选择，试图将影片中富春江畔的四季景色展现得更淋漓尽致。
《征途》上线后，作为一部全片特效镜头占比高达80%的视效大片，为了发挥特效的优势，爱奇艺与多家电视机厂商合作，专门为《征途》制作家庭版杜比视界和杜比全景声，试图还原一个真实具备强视效体验和冲击力的征途世界。
但一种新的放映模式出现，给行业所带来的挑战远不止于此。如果说线上和线下在视效、观影体验上的差距可以通过技术不断升级调整来缩小，那院线和网络两种完全不同的发行体系，对宣发模式和从业者既有经验也是一次大的挑战。
相比传统电影线下营销，线上营销的预算经费往往只有前者的一半左右，在这种情况下，怎么用更少的钱，达到更好的营销效果？
过去广撒网大面积铺营销物料的动作要被抛弃，找准目标受众、点对点地精准营销显得尤为重要，从这个角度来看，线上单片付费的模式反而有优势。
从影片类型本身区分观众，分众后利用互联网环境传播的便捷性和舆论发酵的快速性，去帮助影片的线上营销。而随着平台D2C时代的到来，线上营销的优势会愈加明显，这对于很难真正触达用户的电影营销而言，实则是一种不错的补充。
以这次《海绵宝宝》为例，作为一部合家欢类型、有大量80、90后和小朋友观众的动画电影，爱奇艺基于对用户的判断后针对这部影片首次开启了线上多场景整合营销，利用海绵宝宝IP价值，全面包裹本地生活。
从生活出行、运动健康、社交分享、消费场景、少儿教育等各领域，如与百度地图、keep、小红书、花呗进行跨界合作，甚至联合主流手机厂商、运营商、海绵IP授权商家等展开联合营销推广，尝试去精准渗透到IP的目标受众的生活场景中。
在资源推广位上，也给到了影片S级资源推广，包括爱奇艺全端口的重点位置，首页推荐、分频道推荐，以及oot端、电视厂商、短视频随刻等均给到了重点支持。
并且在站内采用定制H5游戏、口令红包、看片抽奖等互动玩法，趣味营销触达用户，从而引发传播。所以上线首日《海绵宝宝》在平台的热度值就逼近六千。
营销上的求变升级之外，PVOD模式也给内容创作者提出了新的要求：电影创作者从作品前期筹备就想清楚影片的归宿和观众到底在哪里，从而有更明确的方向和目标。
但不管是视听、营销还是创作思维、发行策略上的前置，PVOD给行业各个环节带来的变化都是无法忽视的。从结果来看平台对PVOD模式推进的决心十分明确，这也给到一些原本的保守、观望的片方一定的信心。
在《海绵宝宝》登陆爱奇艺之前，单片付费其实早已在全球范围内风头正盛。
通过打破院线窗口期、与影院同步或准同步上线流媒体平台，以谋求在实体影院之外的线上市场收入，PVOD成了好莱坞寻求票房增长点的新希望，但随着北美票房市场回暖，关于PVOD的讨论暂时被搁置。
直到今年疫情加速PVOD的真正运用，让电影在流媒体单片付费的前景逐渐清晰。
在好莱坞院线市场停摆的三四月份，环球就选择将《隐形人》《狩猎》《艾玛》《魔发精灵2》上线流媒体平台，通过单片付费的方式供用户点播观看。
随后好莱坞片厂大受鼓舞，《阿特米斯的奇幻历险》、《汉密尔顿》和《花木兰》等大片纷纷投身流媒体并收获高下载量和收益，甚至对平台拉新会员都大有助力。
国内市场对单片付费可行性的嗅觉同样灵敏。
偏文艺的调性原本是很难被认为适合互联网观影需求的，但突破保险的影片类型，选择文艺片其实也说明平台在推进电影单片付费这件事上，是有足够的勇气和野心的。
从喜剧动作、文艺片到视效大片再到好莱坞动画，爱奇艺这一系列循序渐进地大胆尝试，显示着平台对推进单片付费的笃定，而不同类型的影片对PVOD模式的接纳程度，也的确正在变得越来越高。
单片付费的未来，在国内到底能走多远?
第285章
在探讨单片付费未来的可能性和前景时，很多从业者都用大趋势和不可逆来判断，而这种判断往往是基于单片付费在补齐电影市场几个致命短板上表现出来的积极作用。
首先是内容供给与观众需求之间的矛盾，目前电影市场存在多元类型影片缺失的问题，导致很多档期内出现无片可放的情况，观众的基本观影需求在热门档期之外的其他时期很难被满足。
这一弊端在网生内容领域同样存在，网络影视产业长期面临着用户的观看需要和行业供给能力不足的主要矛盾，而解决这一矛盾的一个重要议题就是内容上的分众。
单片付费模式正在对内容进行分众。比如《春潮》《春江水暖》和《婚姻故事》等艺术性较高的影片，不走大银幕、上线爱奇艺让观众付费点播，同时给到这些影片资源推广位去吸引它们对应的目标观众群，长此以往，形成用户对在视频网站提供的付费内容里，准确找到自己喜欢的类型片的认知习惯，从而聚集起一批有特定内容偏好的观众。
而这样的方式正符合爱奇艺倡导的流媒体D2C时代的概念：在电影身上，压缩中间渠道，直接吸引它核心的受众，由用户来决定影片的收益甚至命运，优胜劣汰，更为公平。
因此，无论是通过PVOD上线平台、还是TVOD模式点播影片，影片在线上类型的丰富多元、能满足观众对内容类型需求的同时，还能借助线上放映技术的更新来实现更高品质的视听体验，这对整个电影市场做大增量都能起到助力作用。
不仅如此单片付费也正在试图解决电影市场的一种失衡状态。长久以来大多数中小体量的影片在院线市场都是处于劣势地位的，特别是在有大片上映的热门档期，头部影片往往会拿走有压倒性优势的排片、分走绝大部分的观众，其他影片沦为炮灰。
如果这部分影片选择通过流媒体线上单点付费的模式，避开院线大档期、大片的厮杀，也是另一种找回观众、被观看、收回成本获取票房的重要渠道。
同时观众的观影成本也会因在流媒体平台单片付费的观影方式而降低。线上观影场景可以生活化，地铁上、排队时、睡觉前等等场景都可以随时打开一部电影来观看，更加轻松便捷。
基于单片付费对电影行业多重短板补齐的利好影响，很多从业者都判断，这一模式将带来整个行业的洗牌。
从一些在院线没有太大市场的片子到更多高品质的类型片，PVOD模式一旦被大规模地验证成功，毫无疑问将给整个行业大的震荡。
而这种震荡会持续到什么程度，往往取决于未来平台和电影内容创作者的合作扩展到什么地步。
毕竟互联网移动端的这块屏幕容量太大了，不管是什么样独特的片子，都相对能够找到自己的观众群，这是平台特别大的优势，一旦对接起来就是火星撞地球，世界就改变了。
从这次派拉蒙的动画电影选择在爱奇艺线上发行的动作来看，改变正在发生。国内市场作为任何一部外片都无法忽视的重要票房阵地，一旦国内PVOD模式线上的票房攫取能力得到印证，未来海外影片对内地市场的考量，或许将不再只把目光放在实体院线上。
长此以往国内的流媒体平台在全球电影市场中扮演的角色将同样值得行业期待。
或许可以因此大胆畅想，未来电影的线上单片付费模式将与院线发行一起，成为一种并行不悖的新常态，从而给整个电影市场的票房收益和行业升级调整带来更大的想象空间。
最近韩剧《九尾狐传》在播，相比不咸不淡的口碑，更引人注目的是它的抄袭新闻。
这部剧的设定里男主李东旭是一只千年狐狸，为守护自己爱人留在人间，肩负惩治那些坏狐狸的责任，并拥有抹去人类记忆的能力。
这和《结爱千岁大人的初恋》设定几乎如出一辙：都是只有一次初恋的老妖精，都是前世今生的轮回戏码。
而更细节的层面上，两部剧也多处吻合：比如狐狸娶亲当天会下雨，狐狸都爱吃人类的肝脏，还都有一对珠子结缘。多处巧合自然让网友产生被抄袭的想法，吐槽《九尾狐传》是《结爱》南韩分恋。
韩剧早有抄袭黑历史，从《三生三世枕上书》里白凤九的服装，到《甄嬛传》里牡丹和芍药的隐喻，原来韩剧的移花接木由来已久。
乍听之下感觉难以置信，毕竟韩剧在剧集世界鄙视链上似乎位于更高层面，没必要降维copy。但事实上，与抄袭相关的全是国产古装剧，在这个品类里，还真的难说国产剧没有抄点。
古装剧作为国产剧的王牌品类，是出海大户，不论在东南亚还是韩国都表现不错。之所以能纵横亚洲，和国产古装剧的两大特点有关：文化内涵丰富，服化道精致。
背靠中华文化，国内小成本古装剧偶尔也能欣赏到传统文化之美。比如当年有一部名字听起来很俗的古装剧《爱情宝典》，里面的故事却非常有渊源：一部分改编自名著《拍案惊奇》《醒世恒言》，另一部分来自戏剧作家关汉卿、吴炳、李渔的经典作品。
再比如《延禧攻略》，里面也有一段cue到古代女同的情节，来自李渔的戏剧作品《怜香伴》。我们海量的文化累积提供了古装剧撷取的宝库，这一点当然碾压众多对手。
同样也是这个原因，国产古装服化道也有能尽善尽美的充分前提。早些年古装剧的成本不如现在，但也不乏精致作品。
比如唐代剧代表《大明宫词》，服装皆出于叶锦添之手，还原度堪比《簪花仕女图》，剧中女子多坦胸也应那句温庭筠的名句雪胸鸾镜里。
等到前两年的《长安十二时辰》，就更加细致：剧里的玉冠、鹦鹉螺杯、莲瓣纹碗都是文物复制级别的，制作团队甚至注意到了唐三彩是冥器，应该陈列在棺材铺里这个细节。
宋朝剧也有不少种子选手。比如《鹤唳华亭》，里面对宋朝宫廷的复制几乎达到了1：1级别，由黄志忠扮演的皇帝萧睿鉴穿的一套常服就来自宋徽宗在《听琴图》里的自画像。
早一点的《知否知否应是绿肥红瘦》则精准再现女子的窄袖长裙、男子的直裰，其他小物均可考证自《东京梦华录》。
清朝剧里的爆款《延禧攻略》，则还原满女们的一耳三钳押襟等细节；富察皇后手持的一串碧玺十八子复刻了故宫典藏，所戴的绒花则是来自南京的非遗，并有《清史稿·后妃传》佐证皇后的爱好：以通草绒花为饰，不御珠翠。
在历史文化库存方面大于韩国这已经是一个常识，而具体到两国服装层面，形制上也早有区分：例如唐制的汉服上襦在裙内，韩服在裙外；明制的袄裙系带宽窄、位置也都和韩服不同。
只是相对于国产古装的精致，这些服装更像低配，且近来韩国网友很爱倒打一耙说自己是原创，就无怪乎网友们觉得是复制，甚至说宫廷集体穿越到韩国？
第286章
四十有三，宁浩迎来了人生中的又一次长大。
当年在拍《香火》的时候，还未出学校的宁浩曾想借这个片子发出种疑问：难道这个世界就是这样了？
笼统来看很多事的答案或许都与欲望有关，算上《无人区》欲望是早期宁浩作品绕不开的母题，每个宁浩作品里的经典人物，都或多或少在被欲望这种原始的兽性所驱使着。
一晃眼差不多十年，到拍《黄金大劫案》时，宁浩开始看霍金、思考各种哲学命题，已经三十岁的他似乎想透了?
在《黄金大劫案》里罕见地展露出一种温情，加入很多对于主人公个人成长的解读。再往后的《心花路放》里，也同样包含主人公的变化和某种对自我认知的深化。
但与此同时在这部和市场、产业走得更近的电影里，宁浩也付出相应的代价：他不得不越来越多地参与他所不喜欢的竞争，不得不和商业化走得更近。
作为总导演，他刚刚向市场交出《我和我的家乡》这份答卷。在竞争激烈的十一档，《我和我的家乡》以近19亿的票房夺冠，甚至有望冲击今年票房榜冠军的位置
但这样的成绩，并没有让宁浩的心情有什么变化。很显然这个数字本身并不是宁浩所追求与看重的。
孔夫子说四十不惑，可宁浩却在四十后的这三年内陷入了一种迷局。
他不喜欢市场和商业，自己的作品却在不知不觉成为国产电影票房的佼佼者；他对做公司做商人感到不适应，却经营了国内最有价值的电影内容公司之一坏猴子
向来喜欢从生活里寻找灵感的他，如今生活里却只有电影，这让他灵感枯竭、有些不开心.一直想用电影表达的他，此刻却不知该如何用电影这个载体来表达宁浩。
这种撕扯不断在推着他成长，其实宁浩深知成长是绝非轻松的、或只有温情的话题。有那么段时间，很爱看综艺节目《非诚勿扰》，因为透过这档节目可以看到社会的标准，并借由这套标准去看到年轻人的迷茫，以及他们对于成长的抗拒。
在他的理解里，长大往往是伴随着撕裂、牺牲与痛苦的。而这种痛苦，有时让他甚至开始思考，还要不要继续拍下去。
宁浩大概是国内成功商业片导演里，少有的能被好玩推着走的人。
长在太原钢铁附近，父母都是太钢的工人，正是因为那种浓厚的重工业气质，令他觉得小时候的记忆到处都是灰的黑的。
而身处在这种工业化环境下的宁浩，却一直带着些避世的格格不入感，打小就不爱竞争，特烦读书、考试，也特烦做生意，压根不想按照单一的标准去生活。
本该高考的年纪，宁浩因为打架错过时机，选择就读中专山西电影学校的绘画专业。那时的他选择了艺术，而艺术也选择了他。
开始接触画画，是为了逃避考试、逃避竞争，可后来宁浩慢慢意识到，艺术是友好的，艺术具备特别多元的价值，每个人都可以往不同的方向发展、做尝试，并且没有一个固定的、单一的评价标准。
而时代也给了这样一个不羁的艺术少年，足够肥沃的土壤。
在十几岁的时候经历了一个伟大的时代，从文学到音乐，万事万物都在革新、解构。中专期间玩乐队，也和当年听了崔健们的“西北风”有关，这种新奇的音乐风格让他感到特别有劲，觉得工厂的男孩子就该这么有力量。
开始学习艺术后，宁浩突然觉得生活有了颜色。以至于他日后回忆起在山西的日子，最先想到的不是灰和黑，他把那段时光描述为阳光灿烂的。
但短暂的快活过后便是迷茫，像宿醉后的反作用力，毕业后的宁浩，第一次对人生感到迷茫。当时山西的环境让他难以画画为生，只得选择电视台、话剧团等单位，这类公司与艺术沾边，实则却毫无关系?
毅然拒绝父亲劝他经商的要求、放弃稳定的工作，只身赴往北京，想在那里学画画。可一次体检过后，突然被告知自己其实是色弱，这让学习实用美术的他，顿时觉得这条路走不下去
阴差阳错间，宁浩遇到电影！
拍电影真正有魅力的地方，其实正是在于他能够在拍的过程中触碰到艺术的迷人之处，那种千变万化的自由感、那种好玩这点让他觉得特兴奋。
直到很久之后，宁浩还会怀念拍《绿草地》时的日子。面对眼前的美景，他会有意识地想要去破坏一下这种美感，做一些不那么规矩的构图，比如把地平线摆在画面的中间、拍人物时拍个半中景。
甚至于到后期阶段，还要把一些美得像明信片一样的镜头剪掉，只为了让自己的作品不那么矫情。
这种混乱感其实一直延续到疯狂系列的前两部。《疯狂的石头》日后为人所称赞的地方，多在于其精妙的叙事与人物刻画，可实际在摄影上也花了不少心思。
没有为了凸显画面的美感而使用大量长焦镜头，反而是用了很多广角，以至于最后呈现出的重庆黑黑的，甚至被当地的一个干部说看着有点脏。可在宁浩心里，有一点点脏这种感觉就对了，这才是适合这部电影的风格。
事实上就在宁浩最享受电影的乐趣、拍摄《香火》和《绿草地》是电影产业一次巨变的开始，随着《英雄》拉开商业大片时代的序幕，包括张艺谋在内的很多老一辈导演，不得不开始重新思考商业和艺术之间的关系。
宁浩的才华和好运气，让他在刚拍电影的那些年里，似乎很容易就找到市场与表达的平衡点，无需经历同行们的纠结，可以自由地做自己想做的事情。
曾有人问宁浩，为啥要在两部相对文艺的电影后，选择拍《疯狂的石头》这样一部电影。
宁浩说：不为什么，我就是喜欢那样的！
对于自由的追求，让宁浩对旅行也有一种偏爱。《心花路放》的公路之旅算是自我的投射，这个故事的灵感和旅行有关。
而《无人区》的灵感也源自于拍《绿草地》期间，与同伴开车时的一次意外，让他思考人这个社会化动物一旦脱离社会环境的动物性。
旅行的另一重意义，大概也是宁浩在提醒自己，凡事别太有目的性。
第287章
有目的性就看不到沿途的风景，旅游就是一路看，目的性太强就奔那个地方去了，就无聊了。电影就是生活，那生活是一个过程，而不是说目的是什么，拿个奖，挣多少钱。
跳不出的鱼塘？
但宁浩不可能永远是幸运的，身在影视圈的游戏中，就不可能不上牌桌。
拍完《疯狂的赛车》后，他已经是国内极具票房号召力的导演。虽然表面上看起来大大咧咧的、十分不羁，可他也知道到这一步就不能只由着性子来了。
所以从《无人区》开始，慢慢地宁浩有一些收敛，想必他也未曾预料到，走上商业这条赛道是一念之间，走下来却是另一回事。
就在《黄金大劫案》上映公司坏猴子成立了。成立公司的初衷，是因为宁浩不想把作品的命运交给甲方，这样很容易得不到公正的对待。可选择这个模式，就意味着他必须和商业、竞争走得更近，成了个悖论。
这部电影在发行阶段和猫眼联手做了中国电影史上最早的大规模线上票补，以大量9.9元的低价票将用户吸引到了影院里。
甚至和发行公司尝试了保底发行的金融手段。从那以后，票补、线上票务和网络发行、保底发行便成了中国电影产业绕不开的命题，开辟一块新的战场。
向来不喜欢竞争的宁浩，无意之中却参与到了近十年中国电影产业最重要的变革之一里。如果套用当年被检查出色弱时的话。
置身理想和现实的拉扯中，宁浩的怀疑被放大了。
这种怀疑伴随着《疯狂的外星人》的上映，来到一个顶峰。票房达到22亿是宁浩票房最高的单人导演电影。但是这个成绩其实低于了市场早期的预期、甚至也低于本人的预期，而影片本身更是陷入到一个两级化的口碑讨论当中。
其实宁浩许多次公开表示过，《疯狂的外星人》是他最好的作品，是最像电影的一部电影。它像一个导演该说的事儿，用包罗万象的形态去说这件事，这并不容易。所以我对《疯狂的外星人》还是很满意的，我认为这是一部成熟的电影。
面对争议，宁浩并未觉得是观众出了问题，在他的预期里，一部电影不需要追求观众全面的认可，而真正叫他感觉不自在的反倒是评价标准的单一化。
其实在作品的票房、市场口碑都比较好的时候，宁浩也曾思考过这种全面的认可是否具代表。但长期的体验与做电影的初心，最终还是让他坚信，没有人的观点是绝对权威与标准的环境才算是好的，真正百花齐放、自由自在才是好的。
这么看来当下的行业大环境环境其实是与宁浩的理想背道而驰的。
一方面，影评体系的专业性堪忧，很多评价往往是从社会学的角度去做分析，而非艺术专业性的层面，比起影评更像是一篇情绪化的观后感。
宁浩常会为此而疑虑：讨论电影本体时，不把电影当艺术品而是当成一个产品去看，岂不是非常滑稽？
另一方面当整个大环境从里到外都是在兜售保健品，该如何去建立一套明确的评价和专业的、权威的评价体系？
这还不是最让宁浩感到不开心的，最大的困惑或许是在他感到不舒服的时候，他却没法脱身而出。
常用的一个比喻是影视圈如果一个鱼塘，一池子的水都不干净，作为池子里的鱼又怎么能够独善其身？在没有能力改变环境的情况下，唯有这条鱼选择跳出这个鱼塘，跳到一个鱼缸里自己玩。
可是宁浩跳不出！
身为老板，他得为一个团队负责，他或许可以选择放下名利，可技术人员、新人导演们还得吃饭，宁浩觉着自己不能站着说话不腰疼。
最不开心、压力最大的时候，宁浩甚至任性地和团队说要不我们把公司解散了吧？
他当然没有真的这么做，大多数时候，更像是一种撒娇。
放不下的另一层，或许也是宁浩自己也还没完全想完全明白，自己想要的究竟是什么。
这正是宁浩身上最矛盾的地方，站在艺术家的立场上，他和很多艺术家一样，对于一味讨好市场没那么感兴趣，渴望有一套更为独立的评价体系；但老板、产业人的身份，让身处在这样一个产业大环境里的他，也坦言自己做不到真正的洒脱，没法真正意义上置身事外。
现在就会怀疑，选择继续待在赛道里的这件事。我不喜欢这件事情，可是我现在又依然在干着，有些心口不一。每个人都这么矛盾地活着，被迫矛盾地活着。
虽然干得不高兴，但被迫还是得干，结果就是不开心。矛盾之中，至少现在的宁浩还得按着游戏规则走。
外人看来，宁浩似乎已经适应了商业片的规则，与商业片导演宁浩这个身份相处融洽，但身处这样的矛盾里，宁浩却总在怀念刚做电影的那段日子。
或许宁浩也会害怕停下来？
凡事想清楚，这事对宁浩来说很重要。小时候学画画，如果起稿不好，宁浩就不画了；和人打麻将，要是抓了一手烂牌就放弃，等抓了好牌之后和把大的。
念书时宁浩给人拍MV，拍得好好的、赚了不少钱时，他突然停下来开始写剧本了，因为他没想好自己的定位，不确定自己是要拍电影，还是继续拍MV广告。
不过宁浩和大牌的准备里，似乎总是缺不了被认可的基础。
可以说宁浩先前的成功，除了个人的天赋与努力外，其实也是因为他处在一个被引导的阶段，他能够不断在他人先验的经验中，去找到自己的映射。
然而当世界已经充分认可定型的他时，当下的宁浩已然到一个需要自己去开路的阶段，需要在无人的地带里，去寻找宁浩。
眼下宁浩找到的平衡点，或许是题材上的拓展。宁浩饶有兴味地和毒眸分享，目前正在筹备的电影作品涉及到他并不是太熟悉的女性题材，不熟悉，但是有趣。
自己可以选择做一些事情，在努力地寻找我认为有趣的事情去做。觉得好像这个题材能跳出一种人物感来，挺有意思的。
这个故事的感觉摸出来了吗？
寻找的过程固然会是挣扎的，宁浩其实问过自己，为了电影这么折磨自己、反复纠结真的有价值吗？
他思考的结果就是，这事没答案、得看人。真正了解自己的需求才是特别重要的，很少有人真正了解自己的需求。所以更重要的或许不是宁浩如何选择，而是宁浩是否能在这个阶段里找到自己、与自己和解。
第288章
宁远感叹一句，以瞪眼和抠图著称的Angelababy、因主演《上海堡垒》而被钉在耻辱柱上的鹿晗，今年成功翻身了？
二人主演作品纷纷斩获豆瓣8分，分别是13万人打分8.1分的《摩天大楼》和10万人打出8.0的《穿越火线》。此外鹿晗主演的悬疑短剧《在劫难逃》也正在播出，3万人打分7.7，同样属于高分剧。
相比曾经凭借豆瓣7.2分的《动物世界》口碑回升的李易峰、在7.4分的《全职高手》里饰演了叶修的杨洋相比，今年流量们的翻身仗打得明显更容易？
手握豆瓣8分成绩单的鹿晗、Angelababy还拥有正向的演技话题热搜？
Angelababy哭戏、鹿晗演技上热搜是这届流量更努力了吗？
的确，Angelababy和鹿晗都挑对了剧本和团队，并可能为此牺牲番位甚至片酬等短期利益。Angelababy在陈正道导演的《摩天大楼》里担当女主角钟美宝，署名排在郭涛、杨子姗之后。鹿晗在《在劫难逃》中番位也排在王千源之后。
但另一个思路或许是，国产剧在豆瓣获得高分越发容易了。
去年的TOP10作品中，7.9分的《庆余年》位列第十名，而今年Q3尚未过完，8分作品已经超过10部。
而2020年并不是个异军突起的年份，国产剧整体豆瓣分数过去两年也在明显上涨。
相比精确到小数点后的数字，观众或许更能察觉一个认知的变化：几年前豆瓣7分就算口碑剧，如今7分剧根本不值一顾，8分剧都还需要观望一番。
作为最权威的影视剧评价体系，豆瓣这道防线尽管尚未被攻克，但随着评分用户壮大、粉丝控评和高级水军的入侵，分数含金量已经出现了下降。
几年以前在豆瓣为电视剧打分的基本是豆瓣原住民，美剧、英剧甚至韩剧更受用户关注，只有真正的爆款优质国剧如《琅琊榜》《白夜追凶》《人民的名义》《甄嬛传》等，可以在豆瓣获得人气和口碑。
高分凤毛麟角，豆瓣用户对大量烂国产剧打出三四分的极端低分才是常态，其中又以流量生花扎堆的大IP偶像剧为重灾区。
也正因为豆瓣用户对国产电视剧抱持的批判性目光，豆瓣电视剧评分在主流舆论场上的存在感愈发强烈，并在2018年迎来集中性的爆发。
还记得郭靖宇导演电视剧《娘道》CSM52收视率破2，深受中老年观众喜爱，却在豆瓣被打出2.7分？
豆瓣用户批评该剧价值观落后、物化女性，收视口碑的冰火两重天引发热议。
甚至《人民日报》发文评价《娘道》，标题直接提及了豆瓣分数：《豆瓣2.7，收视率却爆棚，<娘道>是鲜花还是毒瘤》。舆论发酵之下，《娘道》这部受众并非豆瓣用户的国产剧，最终被3万用户打到了更低的2.5分。
同一时间第12届金鹰奖因为将最佳男女演员奖项颁给李易峰和迪丽热巴，遭遇重大的公信力滑坡，观众称迪丽热巴为水后。
意思是她是水分最大的金鹰视后。这一批评的依据之一，是迪丽热巴获奖作品《漂亮的李慧珍》在豆瓣评分仅有4.6分。
大众以豆瓣为阵地，大肆抨击金鹰奖作为主流电视奖项的失格。4万用户为12届金鹰奖的豆瓣词条打出2.1分。一个在豆瓣评分系统里接近零分的分数；同时《漂亮的李慧珍》也从4.6分暴跌至3.0。
当豆瓣电视剧评分不再仅仅客观反映出作品水准，而是承载了舆论情绪成为风向标时，意味着它彻底出圈。
在18年评分人数10万出头的《天盛长歌》还曾被质疑水军下场。该剧在卫视播出收视惨淡，CSM52收视率最低一度达到0.154%，同时段排名第10，网播成绩也并不出色，云合有效播放月榜最高只排到第9名。
与播放热度不成比例的是，该剧至今豆瓣累计17万人评分8.1。与之同期播出、云合霸屏指数月榜中排在《天盛长歌》之前的《天坑鹰猎》和《沙海》，打分人数分别是10万和8万，比《天盛长歌》少了将近一半。
粉丝嘲讽《天盛长歌》的表情包：豆瓣分这么高收视率还这么低？
比起全民爆款或是水军下场，《陈情令》惊人的评分人数纪录要归因于饭圈的胜利。该剧强大的粉丝号召力吸引了大量粉丝评分，光是豆瓣《陈情令》专组就拥有18万组员。这意味着每个组员都为《陈情令》打分，就已经超过《天盛长歌》的评分人数。
今年以来豆瓣7.0分的门槛不再具有意义，轻而易举被名不见经传的国产剧拿下：仅暑期档就有7.8分的甜宠剧《穿盔甲的少女》、7.0的甜宠剧《G小调进行曲》《离人心上》《萦萦夙语亦难求》、7.3分的青春剧《一根木头》等。
8分以上的高分区，如今并不全是公认好剧。《怪你过分美丽》被5万人打出8分，但播放热度未进入云合有效播放霸屏指数月榜，豆瓣上关于该剧的最热讨论来自王子异粉丝的抽奖高楼，热门短评里王子异未来可期这样的粉丝控评话术赫然在列。
电视剧评分还有救吗？
相比豆瓣书影音，尤其是电影评分系统多年如一的稳定，国产剧评分系统在数年之内经历高速发展，又迅速堕落。这或许是因为，在豆瓣标记书影音的用户，和标记国产剧的用户本就不同。
豆瓣的早期核心用户是影迷，电影TOP250中以9.7分位列第一的《肖申克的救赎》，能够获得213万用户打分。但数年之前几千或一万出头的评分人数是大部分国产剧的常态。
热衷看国产剧、为国产剧打分的用户，不少是随着娱乐类豆瓣小组的崛起而涌入的。
以豆瓣鹅组为代表的娱乐向豆瓣小组近年成为电影评分之外，豆瓣另一个成功出圈的流量地，但通过豆瓣小组等社交属性吸引的用户和爱标记书影音的原始用户相遇后，不同气质的群体之间也会产生相互排斥。
除了综合类娱乐小组，单部剧综的爱好者也纷纷在豆瓣开设专组，比如《乘风破浪的姐姐》拥有多达28万组员。
豆瓣电视剧词条下的讨论版块直接关联了电视剧的专组，可视为豆瓣官方对专组生态发展的鼓励。在赋予了专组官方性的同时，专组也反过来为电视剧的豆瓣评分导流？
第289章
豆瓣《如懿传》词条下的讨论版块变成小组讨论？
由于专组功能类似贴吧，剧情讨论、演员资讯、同人创作等内容集中出现在豆瓣专组中，不断吸纳剧迷进入豆瓣。这也带来豆瓣电视剧评分标准的迁移：往日那种沿袭了电影评分标准的、具有批判性的评分标尺，在粉丝滤镜下不免打了折扣。
显著的例子是2020年开年热剧《锦衣之下》，这部特效和编剧都在及格线下的剧集，因为CP太好嗑而被打出7.6的高分。同时它的豆瓣专组人数最多时将近5万，发帖数量超过23000条。
豆瓣创始人阿北写于15年的《豆瓣电影评分八问》中，对豆瓣用户画像做了定义：“基本能确定现在豆瓣评分反映了大众观点，只是这个大众更集中在一二线城市里，和豆瓣用户扎堆的地方一致。5年过去，这个大众显然又下沉了一些。
粉丝布局舆论阵地和剧方下场也是无法阻挡的趋势。豆瓣评分的权威性和高认知度成为这粉丝、水军聚众刷高分的最大动机。
流量粉丝几乎有组织、无差别地试图打入微博、贴吧等大本营之外的一切舆论场。抖音、快手、豆瓣、虎扑、知乎、B站。其中针对豆瓣作品评分，粉丝总结出了一套养号攻略。
流量粉丝尚且可以通过养号完成为偶像打出有效五星好评的目的，专业的营销公司和水军更不在话下。暑期档热播剧《以家人之名》曾被网友抓包水军跑错路。
电视剧《亲爱的药王大人》豆瓣短评列表中，出现了大量为《以家人之名》而写的四五星短评。
但也有网友质疑，这可能是《亲爱的药王大人》自导自演的一出炒作：这是套路吧，就为了让更多的人关注那部被错评的剧，人家《以家人之名》的数据在那摆着，有必要吗。倒是某些剧，听都没听过。
无论是水军迷路还是一出反炒，至少可以确认一点：如今高级水军打出的好评，已经能够突破豆瓣的反非正常评分机制，被计入有效短评显示出来了，只是这个权重还尚未可知。
对抗水军是持续的、魔高一尺道高一丈的事情。但现在门槛已经很高，声称能刷分的基本是在骗人。
同时需要指出的是非正常评分对国产剧的影响比院线电影更大，目前而言豆瓣评分的通货膨胀是电视剧市场独自面临的问题。更无奈的是市面上也没有更好的评价体系可以对豆瓣评分取而代之。
今年年初B站推出影视榜单，通过二创视频数量和弹幕数量真实反映出用户的趣味，但尚未开设作品评分系统。知乎尽管推出了评分系统，但评分人数远低于豆瓣，某种程度上只要水军和粉丝想要，操纵知乎评分的难度并不比豆瓣更高。
但或许也无需太过担忧：经验告诉我们，真正的佳作是不会被埋没的。尽管今年豆瓣7分以上的国产剧增加，但《隐秘的角落》《龙岭迷窟》等公认的好剧仍然与平庸之作甩开距离，分别获得8.9和8.3的高分。
这两部剧集的优秀并不取决于单一的评价维度，而是高评分、高播放量、高舆情热度、梗的频繁出圈、主演主创商业价值的走高等维度综合来体现。
另一方面豆瓣分数对于小成本佳作仍然是最好的曝光平台。去年暑期零宣传裸播、除了编剧王倦就没上过热搜的《大宋少年志》，凭着8.2的豆瓣高分出圈；今年也有全新人阵容的青春剧《我才不要和你做朋友呢》斩获豆瓣8.2分，靠口碑突围。
做点什么可以让片子在豆瓣评分高一点？
我确实不知道除了拍好电影能做什么！
这个颠扑不破的道理，放之国产剧而皆准。
随着微短剧的进化，长视频和短视频平台都看中它的潜力开始加码。
爱奇艺、腾讯视频、优酷三家平台都已经推出了微短剧分账规则。虽然在细则上各有不同，但都给予了创作方补贴。
爱奇艺对短剧时长要求更长，要求4～10分钟，A级独播剧5元/部；腾讯视频要求时长1～10分钟，针对爆款项目设立了单项不低于100万的激励金。
优酷则对爱情、青春等题材中的创新、优质内容A级以上，在分账收入金额以外，给予20%的补贴。
短视频平台对时长的要求则更短，微视开始引入竖屏微短剧，内容以反转喜剧、悬疑喜剧、剧情类、趣味知识四大板块为主，要求时长一分钟以内，一季12集，平台还将进行资源扶持和宣传推广。
就连快手也上线新功能板块小剧场，UGC短剧不再处于放养状态。有专人对短剧创作者进行垂直化和专业化的运营，用户能更轻松找到想看的内容。
然后推出短剧分账制度，新规则或许也能吸引部分专业团队。分账和采买方案里，6秒就算一个有效播放量，后续不知道是否调整，但先抛出规则，还是很有决断力的。
随着短视频平台布局短剧，这个最开始粗糙的内容赛道逐渐变得专业，一个典型表现就是平台开始引入上游文学IP，为下游制作带来更多优质创意。
放眼望去，各类平台大力扶持微短剧似乎已经成为一种新潮流。
某种意味上这是一种必然：随着5G时代到来，用户在内容消费上的碎片化趋势越来越强，微短剧逐渐成为风口。
而像快点这样的腰部玩家，则是想从时代的风口里获得转型的契机。在对话小说领域，快点认为自身已经做到行业第一，但并不满足于现状，同时整个阅读领域的巨头效应也已形成，快点也希望跨出新的一步。
但赚钱？
估计再等等！
短视频平台播放量上百万和上千万的剧情短视频比比皆是，在流量即为流水的年代，这些播放量自然承载制作方变现的梦想。
但事实上在变现这件事，微短剧并没有外界想象得那么美好。任何一个行业都需要创新的力量，如果微短剧在不断重复自己，那么这条新赛道到底能拓展多远就更加难以论定。
第290章
又是一个剧集释放的小高峰，有心者会察觉到，今年又有一个品类无声无息地消失了：大女主。
豆瓣剧集推荐首页，有扶贫剧《山海情》、盗墓剧《终极笔记》、合家欢《假日暖洋洋》，却不见了肃杀四方的大女主们。
仔细一看倒是还有漏网之鱼：《上阳赋》艰难地位列首页最后一名。但数据却没有豆瓣排名这么温柔：云合全舆情热度显示，上线29天的《上阳赋》热度不及上了两天的《斗罗大陆》。
最近上星的唯一大女主剧还是《燕云台》，但口碑已经证明，这个品类在观众心里已经彻底倒掉了。当一个品类没了信誉，连沾亲带故的作品也要倒霉。比如，最近新上的《风起霓裳》，原著《大唐明月》更像是双强，但瓜田李下的改编，就别怪群众只给5分。
从炙手可热到人见人嫌，大女主的繁荣也不过才维持五年？
15年开始剧集市场上涌现出大量以女性为主角的作品，而之后的两年间市场上更是人满为患。
和豪华配置形成反差的是，这些剧集少有超出7分的成绩，在一个国产剧整体通货膨胀的时代，这个得分只能说不佳。
是谁造就了平庸大女主剧的井喷？
当回顾过去会发现这其实是一场心照不宣的多方合力。
影视行业的第二次热钱涌入正发生在15年前后，这一阶段不少影视公司资产重组，迎来上市或者并购。而资本注入的背后是业绩对赌，头部项目显然更具备吸金潜力。
以慈文为例，其对赌期为15-17年，而大女主剧《花千骨》《楚乔传》就诞生于同一时期。慈文传媒创始人马中骏就曾在受访时表示，大投资打造的精品大剧好处是能为公司带来高收益，毕竟一部剧的单体销售价格可高达十亿元。
彼时作为进攻方的视频网站急切地争取年轻的观众，新鲜的大IP无疑能撕开防线。爱奇艺创始人、CEO龚宇在2015年乌镇互联网大会上更断言。
大IP是未来娱乐产业发展方向，而对电视台来说不管是考虑到视频网站，还是一剧两星的新政策，押注头部作品看起来都更为保险。
大风潮之下，连带传统剧集公司和新入场者也不约而同。
而柠萌影业的创始人苏晓也确信，基于当时平台的崛起，做超级内容才能被平台看到。大IP成为影视公司、电视台和视频网站的一场共谋。
大IP战略下大女主的出现就顺理成章，剧集市场女性是主导，而大女主兴起前夜，国剧市场正值新旧更替：有《大丈夫》这样的传统都市剧，也有《暗黑者》这样的悬疑试水之作，但唯独没有针对女性描摹的作品。
恰逢其时大女主们填补市场的空白？
另一条隐线是国剧里大女主的传统，早在去年电视节期间，就有制片人告诉尽管女性在不同时代呈现的面貌不同，但无论是《渴望》还是《甄嬛传》，其实都是大女主的前身。
生于大IP，大女主们自然也与大IP是命运共同体。
背负着流量和业绩的压力，大IP的第一指向是注意力，所以通常是流量演员匹配经典网文，整体是AI产物。好处是生产效率提高，但也早就被抽取文化产品的原神。
当视频网站进化到自制阶段，大IP也就完成了自己的历史使命。而作为IP战略的里排头兵，大女主们自然也该乖巧退下。
毕竟那些年里，大女主们只顾着谈恋爱和靠男人打天下，着实没给观众留下什么，除了几百亿的流量水分。
时过境迁，如今我们将大女主们的故事梗概拉出来捋一捋，就会发现雷同得惊人。
女主基本都是低开高走，在男主角的扶持下一路开挂，文能齐家治国平天下，武能闯荡江湖当盟主。从《锦绣未央》到《且听凤鸣》，从《楚乔传》到《燕云台》，物理时间过去数年，大女主的世界却似乎停滞不前。所有剧情基本可以用一句话概括：
好烂俗哦！
有些大女主剧是积压剧，可以说吃了后来者的亏，毕竟不高明的套路看多就真的想吐了。弱弱对决之下，能决定口碑的好像就只有演员，但不是每个《上阳赋》都拥有一个章子怡。
而且章子怡还可以说下凡体验生活，那些成日在大女主剧里打转的女演员们要如何自辩呢？
从外部视角来说，让人们厌弃大女主的另一个原因可能更加重要：女性意识这些年逐渐觉醒了。
多以古装剧为载体；有传奇传记色彩；第一视角是绝对的女主视角；大平台投资。前两个特点基本就限制大女主的价值观是过去的，而这个视角就免不了男性凝视。
即便是爆款《延禧攻略》也不能避免：魏璎珞在后宫的成功，本质上还是依托于皇帝的喜爱。没有皇帝加冕，她只是后宫里平平无奇的妃子。简而言之大女主的大，是通过男人的注视奠基的。
用毛尖的话说，在全球女性四面出击角逐铁王座的时代，我们的国产剧还在制造奶奶剧。
何为奶奶剧？
大概就是即便女主没有情商和智商，但因为编剧拜奶奶庙，所以只要和女主吵过架的男人都会爱上她，和她喜欢同一个男人的女人也会喜欢她，跟她有关的鸡毛蒜皮都能成为大事。这是国剧里最大的虚拟现实。
第一批90后已经30岁，他们和95后正在成为新的收视大盘，而对于这些Z世代来说，更想看到独立自信的女主。
内容堪忧，视角单一，又沦为男性凝视的产物，大女主剧怎么能让年轻的观众买单？
这两年走红的剧，无论是古装还是现代，女主都变得更有力量。去年的黑马《传闻中的陈芊芊》虽然不免绿茶之嫌，但总体上还是一个女强故事：女娶男，孰强孰弱已然明显。
而现实题材《安家》讲的是买房，但因为房似锦筚路蓝缕的坚强，倒也有观众觉得她是大女主。
当今社会环境，不允许女性不自强不自立，不然你可能很难生活下去。弱小的、完全依靠别人的女性，恰恰是个例。
真实生活里并不缺乏大女主，只是女性有两面性，小女人和大女人兼而有之，女人生孩子那个痛苦，任何一个男人试试，早就扛不住了。说白了，每个月女性生理上的折磨，男人体会不到，男人往往怕疼怕苦。
第291章
当全球影院普遍还处在停摆状态时，韩国成为率先开启影院复工的国家，并接连上映多部本土大片。在这之中两部和疫情主题有些贴近的丧尸片《釜山行2：半岛》（以下简称为《釜山行2》）与《活着》电影市场上最亮眼的存在。
《釜山行2》在前作高人气的基础，首映当天就吸引超过27万观众前去观影。截止到上周末该片已在全球范围里获得超4000万美元的票房，问鼎当下韩国的票房冠军。
另一部丧尸片《活着》则讲述了在一个病毒感染蔓延的城市里，极少数活着的人们必须为生存而战的故事。5天内观影人次就成功突破100万人次，如今累计取得超过1340万美元的票房成绩。
口碑不好却大卖，成为了这两部影片的共性，追究背后的原因一方面是受到疫情影响，全球影院纷纷陷入停摆后，院线新片极度匮乏。
而《活着》《釜山行2》的出现不仅仅满足观众们对于新片的期待，同时丧尸片这类包含灾难元素的影片，也和当下形成映射、极容易激发人们对于现今大环境的思考与共鸣。
另一方面丧尸片一直是全球范围里比较热门的影片类型，口碑不好但大热的情况屡屡出现。仅用一天就轻松超越了该片在北美上映一个月的总票房，最终的国内票房为11亿，是迄今为止票房成绩最好的批片之一。
丧尸片作为一种独特的电影文化图景，为何总能打动和吸引更多的观众走进影院？当韩国、日本等国家陆续推出有代表性的丧尸片后，中国市场上是否有可能诞生更精致的本土丧尸类型片？
丧尸片的核心是人性？
宁远看来动作场面有了更大的升级，有了更多的汽车追逐戏份，但紧张度和故事完整度反而是在减弱。
和前作在高铁上几乎完成了所有剧情相比，延相昊导演在第二部的场景设置和视觉效果呈现上，显得更加多样也更加成熟。可是当视觉轰炸结束后，细究故事文本就会发现，第二部似乎陷入到一味追求视觉冲击的窠臼里，关于人性复杂表达的元素却在减少。
在一些影评人眼里四年前的《釜山行》之所以能在票房和口碑上取得双丰收，不仅是因为场景的调度，更多的是片中通过小人物的视角，对人性和政治进行批判。
比如孔刘主演的基金经理，从一开始的利己主义者，到最后愿为拯救他人牺牲自己，将伦理道德、人情世故全部放进故事里。
类似的问题在《活着》中也被暴露无遗，虽然整体场面看似很酷，可是在场面和刺激之外，整个故事的内核却显得有些单薄，故而引起不少批评。
丧尸片通过血腥、残酷的画面情节，建筑出了和其他恐怖电影不同的世界观，该不该表达人性很重要吗？”
是否重要，或许从丧尸片的起源里可以略窥一二。
虽然丧尸在西方影视作品里一直是大明星，但丧尸一词却是来源于海地巫毒教的舶来品，翻译过来的意思是死去之人的亡灵。
影史上公认的第一部丧尸片是在1932年出现的《白色丧尸》，讲述巫毒教的巫师通过巫术将人变为丧尸的故事。
但这部影片里的丧尸不具备活死人的特点，只是被巫术复苏后进行机械的劳作，因此从影片类型和表达主题上来看，和当今的丧尸类型片还有很大差距。
外界第一次看到了被病毒感染的丧尸，在一种毫无自我意识的搏杀中，被感染变异者开始追逐人类并生食血肉，而被咬者感染后也会沦为新的丧尸。这些丧尸特性的确立，为之后的丧尸片建立起基本的范式和框架。
最终这部成本仅有11万美元的黑白电影获得近3000万美元的利润，让整个好莱坞为之震惊。随后这部影片也被翻译成超过25种语言，在多个国家地区进行发行，更被美国电影学院选为百年影史里的佳片。
影片成功后罗梅罗趁热打铁，接连推出《活死人黎明》与《活死人之日》，构成自己所创作出的丧尸三部曲，进而为之后的丧尸片发展奠定创作基础。
自此之后类似题材的作品在西方多个国家宛如雨后春笋般出现，让丧尸片也成为了电影市场里炙手可热的类型之一。
随后一段时间里，北美接连涌现出《外星丧尸》《死囚房间》等同题材作品。但直到这一时期为止，血腥、视觉刺激还是丧尸片最大的卖点。
并且观众们很快发现，这类影片基本都还在罗梅罗所设立的创作范围里转圈，依然以丧尸入侵家园作为主要的叙事线索，没有太多的新意与变化。
虽然电影人也开始在创作中进行了更多创新的尝试，比如杂糅
科幻、喜剧元素等，但依然没有出现能与《活死人之夜》相媲美的佳作，丧尸片创作也一度陷入低谷期。再加上千禧年之后，网络技术的突飞猛进，潜移默化间改变日常生活以及电影的拍摄方式。从视听效果到主题表达，丧尸片也到不得不有所改变的时候。
在这样的背景下，人们终于等到另一部具有划时代意义的丧尸片。更具创新性的视觉和主题表达下，《生化危机》在全球范围内取得了1亿美元的总票房。
而几乎也是从《生化危机》系列开始，人类自制的生化病毒逐渐成为电影里最流行的丧尸肆虐原因，人们开始承认很多问题的源头都在人类本身，进而完成对丧尸片内核的一次重要迭代。
不仅如此由于《生化危机》推出的系列作品题材新颖，且在制作上具备现代工业化的水平，借用大量电子特效和电脑图形合成技术，让丧尸片兼具更强的观赏性和商业娱乐特性。
技术的进步和商业上的成功，进而激发多国与地区开始尝试丧尸片拍摄的热情，其中韩国便是主要阵地之一。
直到新世纪后，《生化危机》的走红，重新燃起了韩国人对丧尸片的热情，韩国导演们也拍出《突然有一天之黑暗森林》《邻家丧尸》《丧尸先生》等多部丧尸片。
这一时期的韩国丧尸电影开始有意识地糅杂一些黑色幽默和现实元素，而不仅仅只是单纯渲染恐怖。但相比于同时开始崛起的韩国现实主义题材电影、犯罪类型片，这类电影在整体质感上还是存在很大不足，内容深度也依然有所欠缺，更核心的卖点还是惊悚、刺激。
第292章
因此影片一经上映便在韩国掀起舆论风暴，首日更是以超过87万的观影人次，刷新韩国影史首映日的最高观影人次纪录，进而成为当年韩国最高票房纪录电影。
韩国在这一类型上也找到真正适合本土的内核、落点，甚至于丧尸也开始成为韩国影视作品里十分重要的元素，进而诞生了轻松幽默的喜剧丧尸片《奇妙的家族》，以及flix在韩国推出的本土化丧尸题材影视剧《王国》等。
近期上映的《釜山行2》《活着》，虽然在价值、故事内核层面饱受诟病，但从类型上来看仍和《釜山行》一致。同时现有的差评也意味着这类影片的主流观众，已经将视效之外的价值内核，作为其观看这类电影时必须要去追求的一种深层体验。
咱们会有好的丧尸片吗？
人性和现实变成当今主流丧尸片的重要内核，但在把握这个主题时，还有一个不能忽视的元素——本土化。
起源和成熟于西方电影市场中的丧尸片，如今能在亚洲市场落地繁衍、成为热门题材，除了刺激的剧情和震撼的视觉冲击外，更是因为相关元素与本土化进行充分结合。
如今所推出的丧尸片虽然“起源自”《生化危机》系列，但不再是单纯去宣扬个人英雄主义，而亚洲观众追捧的也不仅是丧尸片在表达上的形式，更多的是背后传递出的东方文化价值观。
事实上在《釜山行》和《活着》里都能看到，无论是剧情的转变还是人物的选择，看似体现出了小人物在面对危难时的境遇，但角色背后包含的是东方文化对于伦理道德以及人性的重视。
因此亚洲的丧尸片常常会被认为是寓言伪装的类型电影，构建起一个独有的内在深度。在画面和价值观的配合下，丧尸片源源不断的吸引用户走进影院，享受视觉的盛宴，进而引发对于人类本身、环境等周遭一切的思考。
特别是年初全球受到疫情的影响，无数家庭受到巨大打击。因此韩国文化评论家金承满便认为，《釜山行2》《活着》这两部影片描绘了一种未知病毒，而这种病毒感染他们的邻居甚至整个国家，与目前持续约六个月的新型冠状病毒不谋而合。
由于文化背景相似，韩国这类丧尸片也常常能触动到观众。所以即便无法第一时间走进影院观看，但国内观众对于这两部丧尸片也有着很大的热忱。
华语影视产业里也是有类似丧尸作品的存在。只不过说到华语丧尸片，很多人或许会率先想到港片鼎盛时期所诞生的大量僵尸片。
西方的丧尸起源于巫术，而东方的僵尸则于唐代起，就已经存在于文学作品之中，到明清时期，多部怪谈小说中也都会提尸变的元素，这和丧尸有着相似的机理。
华语僵尸片便是在此基础上，吸取一部分传统文学对于尸变的描述进行的延展，早在上世纪30年代，杨工良导演就制作出了以《午夜僵尸》为代表的一批以吸血僵尸为题材的影片。不过彼时的僵尸片更重视恐怖、猎奇，娱乐意味寡淡。
直到80年代出现了由林正英主演的《僵尸先生》里，突出功夫、喜剧片等元素，获得超过2000万港币的票房、位列同年票房第七，并被第五届香港电影金像奖被评为1985年十大华语片之一，僵尸片才走进了主流之中。
然而由于从90年代中后期开始，电影产业逐渐开始走向没落，和警匪、功夫等港式类型片一样，僵尸片也逐渐走向消沉、没能再衍化出新的经典之作，也没有打破原有的创作框架。
不过如果从影片类型上来进行判断的话，港式僵尸片和丧尸片并非同一类型的电影，虽然二者都具备了尸变等元素，但前者更多致力于表现僵尸横行下的恐怖元素亦或者功夫武打戏份，偏向于恐怖、惊悚片。
而后者则是希望借助丧尸潮去渲染末日废土的氛围、世界观，本质上更贴近于灾难片。
因此严格意义上讲，在华语电影历史中，丧尸片的戏份很多。而到今天在丧尸影片再度开始风靡的情况下，虽然可以看到大家对于《生化危机：终章》《釜山行》的狂热，但却难见好的国产丧尸片。
一方面是因为丧尸和僵尸题材的作品在立项阶段程序比较严格，另一方面也是国内在相关内容的本土化上还在做尝试，没有找到比较合适的风格和立足点。
网生作品便成同类型题材最好的试验田？
很多公司开始涉足网络电影生产时，对各平台上的热门影片进行分析，结果发现很多老的港式僵尸片与海外丧尸片有着极高的热度，尽管很多影片已经历史悠久，放在今天来看存在着诸多不足，但却历久弥新、经久不衰。
受此影响，其公司最初所参与、开发的网络电影里，有不少都是僵尸、丧尸题材的电影。
现如今在网络上搜索华语丧尸片，跳转出来的词条里，除一些港式僵尸片和恐怖片外，很多真正具备丧尸片元素的电影都是网络电影，如《疯狂吞噬者》《末路还生》等。
尽管从质量上而言，这些中小成本影片普遍还比较粗糙，但从用户反馈来看，不少影片在类型和设定上，已经在向主流丧尸类型片靠近。
从剧本阶段起就是叫感染者，意思是感染病毒。在拍摄、剪辑时，也会对攻击感染者、感染者正面特写的镜头做特定的处理，避免过度渲染。因为作品是不分级的，会面向全年龄向受众。
当然对于怎么在框架之内处理好丧尸类型的作品还是一个学问，尤其是想要进阶的话，还有很多地方需要反复实践。由于国内影视文化里没有比较成熟的丧尸文化和模板，所以对于丧尸设定和世界观的搭建等，是需要花大力气去筹备、策划的。
此外在拍摄、制作层面，由于这类影片往往场面宏大、人数众多，故而会涉及到对于群演的训练；在场面和动作渲染时，该怎么权衡表达和规则，需要更成熟和创新的镜头语言。
以及最重要的，该怎么找到一个合适的价值落点，去做本土化的落地。这些都是在追求市场热度、商业价值之外，相关从业者们需要考虑的问题。
第293章
宁远想起艺考成绩出炉，但考场之外的余波却没有就此停止。
在《向往的生活》中写了一季模拟卷的张子枫，获得电影学院表演专业第三名的成绩。但在排名公布之后，一方面因为她曾在综艺中问彭昱畅400分很难考吗，网传成绩却只有391分？
遭到网友嘲讽另一方面也有网友爆料其疑似享有高考特权，不仅提前离场，还有专车接送？
为了澄清，粉丝迅速与现场人员沟通，并找到当时的视频，称五点整英语科目考试结束，信号屏蔽车、无线电监测车等离场后，学生陆续离场，但考点校门关闭后校外仍有人群聚集不散。
事实上无论是考试排名、考场门前的围堵还是对张子枫是否使用特权的质疑，都是张子枫明星考生身份带来的额外关注。
明星艺人从艺考到毕业，自始至终都是每年豆瓣等以娱乐话题为主的平台的热门内容，网友关心着他们的入学成绩、上课出勤率和能否顺利毕业，一有不对的苗头出现就是新的论坛热帖。
但对于大部分已经有一定知名度的明星艺人来说，大学本身似乎并非一条必要的通道：一来他们大学期间仍要进组拍戏、拍摄杂志、出席商务活动甚至录制综艺，繁忙的工作占据了正常上学的时间；二来表演系所学的台词演技，似乎也能够通过在剧组实践获得进步。
少年成名的艺人们，真的需要再考表演院校吗？
除了张子枫以外，艺考另一位知名度较高的艺人，是同样童星出身、在《流浪地球》中饰演韩朵朵的赵今麦，获得中央戏剧学院表演专业全国第一名。
在《小欢喜》中饰演方一凡妈妈、林磊儿小姨的海清为此发微博祝贺“儿子”和“外甥”金榜题名，再加上在2017年以第一名被电影学院表演专业录取的郭子凡，《小欢喜》剧组的三位小演员得以在北电重聚。
不过艺考的考神桂冠，与以上童星都无缘，落在初出茅庐的新人夏梦头顶。她同时取得戏剧学院、电影学院、传媒大学的表演专业第一名和中央戏剧学院表演专业第五名，上一位以如此大满贯的成绩被封为考的，还是斩获北电、上戏、军艺、南艺表演系第一和中戏音乐剧第一的张新成。
但其实夏梦也不能算完全的素人考生。她参演过的电视剧《我们的西南联大》亟待播出，并已经签约至知名经纪人王京花麾下，与中戏第一的赵今麦出自同一公司，被网友调侃今年的第一都是王京花的。
如此看来，与18年吴磊、宋祖儿、易烊千玺等童星参与的艺考相比，今年的艺考显然不够星光熠熠。而从最终的考试成绩来看，提前入场娱乐圈的童星们在艺考的考场上，似乎也并不一定能够抢占先机。
童星需要三大吗？
事实上对于较早成名的唱跳偶像来说，如果日后准备向演员转型，那么通过艺考进入专业院校是相对稳妥的选择。
对于以唱跳为主的艺人来说，纵使公司会安排表演课等培训，但主要方向仍是声乐舞蹈等方面，三大院校的表演课程一般更为专业化和系统化。
而考上三大更为突出的优势，则是三大表演院校能够带来的影视圈人脉资源。三大院校表演专业的不少老师是演员出身，或与圈内导演交好，对于竞争激烈的娱乐圈来说，这本身就是得以抢跑的筹码。
当年窦骁被选中担任电影《山楂树之恋》的男主角，其实是张艺谋在电影学院院长张会军的引荐下面试不少学生，最终才选中当时在北电上学的窦骁。
同为北电毕业生的李现也在采访中提到，在北电读书时导演系、摄影系同学找不到演员拍摄作业时，他也愿意去帮忙。
在网络剧《河神》中首挑大梁走红，导演、制片人、策划均为北电前辈，当时他们在一起喝酒聊天时谈起了这个项目，询问起他的档期，李现才跟经纪公司提起进行下一步的对接。
虽然李现在采访中将这个机遇称为“缘分”，但他能够出演《河神》，无疑与他在北电读书时获得的人脉资源有关。
但是三大院校这些能够吸引素人和爱豆的条件，对于不少年少成名的童星演员来说，可能算不上绝对优势。
相比素人和出身小公司的爱豆，出演过大导作品、签约大型经纪公司的童星演员，无论是演戏经验还是接触的人脉资源都较为丰富，也更容易获得影视资源。
年少成名的周冬雨虽然考进北电表演系，在大荧幕转型叛逆少女形象的《心花路放》，导演宁浩也是北电摄影系出身，但让她拿下影后奖杯的《七月与安生》，制片人陈可辛和导演曾国祥均为港圈出身。
这样来看，也很难判断周冬雨的人脉圈究竟是更为依靠北电还是港圈？
在这种背景下表演院校带来的人脉加成效果似乎并不突出，甚至还需要出于人情和学校规章，空出原本的档期拍摄任务剧。
但拍戏和各种商务活动势必将占用大量的学习时间，不少明星会大量请假甚至直接办理休学或延毕，原本通过大学去获得的系统的表演学习，似乎也会被繁忙的工作打断。
刘昊然在中戏就读期间，就因为拍摄《九州缥缈录》《唐人街探案》等多部影视作品，多门课程未能修完，申请大学生自主创业相关项目，根据规定能够延期毕业。
虽然长期来看学院派的教育似乎更加重要，但在浮躁的娱乐圈，真正能够平衡外界工作和学业的艺人始终是少数。而对明星来说到底课堂在学校还是片场，本身也是一个没有确定答案的问题。
至于演技的打磨，请表演老师进行一对一指导和通过实践去打磨，也是区别于正规课程学习的另一条路。
以没有选择报考“三大”的李庚希为例，作为知名导演徐静蕾旗下的签约艺人，她并不缺相应的影视和人脉资源。
在演技方面，她在《小欢喜》和《二十不惑》中的表现都受到网友的不少认可，目前也正在进行《雪中悍刀行》的拍摄，似乎并没有进入三大的必要？
第294章
最近关于电竞的主流新闻挺多的，比如B站和拳头游戏共同宣布达成英雄联盟全球赛事战略合作，正式获得大陆地区连续三年的全球赛事独家直播版权。
也在这个点上，《穿越火线》播出，就颇有点天时地利的意思。在豆瓣上不难看到观众对它的夸奖，仅有不到8%的人给出了三星以下的评价，甚至有人将它称为有史以来最好的电竞剧。
仅有不到8%的人给出了三星以下的评价？
但相比好口碑，《穿越火线》却似乎有点叫好不叫座，上线半个月的它仅在连续剧霸屏榜上排名第七，市占率为1.7%，还不如比它更晚上线的《漂亮书生》。
口碑和数据究竟哪儿没对上？
其实对电竞剧稍有了解，就能明白其中存在一个典型错位：电竞行业和剧集行业的主流用户分别是男女两极，并不大重合。一部足够还原和精彩的电竞剧，却未必是主流女性观众喜爱的。
这不是刻板印象，电竞用户仍然由男性占据主导，女性占比仅为三成。剧集行业的主要受众则反之。基于此市面上大部分电竞剧都是偏向女频，即主打言情线，叠加青春热血的标签，希望借此出圈。
但《穿越火线》似乎卯足劲往男频做，感情不是主线，真人打斗还颇多，结果就是容易造成观看有一定门槛。
根据用户的观剧行为走向，他们重新调整了第一集的剪辑，使得用户留存有了相对显著的提升。而第一集前后两个版本的变化主要在于减少了打斗的场面，把主要的故事线提前。
就像电子竞技不需要爱情，有些女性观众似乎也在用脚投票说：剧集不需要电竞。
虽然目前的电竞报告里经常提到女性消费在崛起，但她们的强大主要集中在电竞消费和周边的购买意愿上，从基本盘来说依然是男性占据主导地位。
近年唯一硬核点的出圈电竞剧是《全职高手》，它也没有太多感情戏，也有不少打斗画面，但是女粉依然不少。
在其播出期间在《全职高手》人群画像里，男性受众虽然比女性比例高，但性别差距并不悬殊。但这部剧有其特殊性，丰富的同人让它有很多慕名而来的女粉，很难判定它的女观众到底是被同人还是电竞元素吸引。
除此之外电竞剧需要思考的的另一个可能错位是：主流电竞用户可能对观剧需求并不大。
一来电竞用户更倾向于看直播，《2020全球电竞市场报告》就把直播视作一项重要的收入来源：据其预测，直播将在2020年带来1820万美元的收入。
二来从电竞导到剧集本身链条太长，加之电竞的主流男性用户是集中型消费，对剧的要求更高，在这个过程当中流失率也更高。
在这个交叉领域他们早就发现了游戏和影视是有壁的，因此并不计划在两者之间简单导流。很多年前我们对市场和用户的分析就已经做得很明确了，这种东西没有交集，因为它本身互相之间就是竞争。
每天除了睡觉吃饭刚需的时间扣除外，你有效的时间就那么点，你能做的事情非常有限，这是一个物理存在。
因此电竞剧能否形成自己的圈层也比较悲观，因为错位始终存在，很难形成一个真正的品类。
目前市场上的做法还是提炼言情加热血线，比如去年的《陪你到世界之巅》，比如《亲爱的热爱的》，说穿了都是披着电竞外壳的言情剧，游戏含量并不高。
这是市场的自然选择，对男性观众来说，改编电竞剧的回报率并不那么高。
基于上述种种，就能明白《穿越火线》的吃力之处：在一个主流观众为女性的市场，它选了一个男性用户更多的游戏IP，并且在剧作上好像不打算迁就女性观众。
主角选的鹿晗和吴磊，看似是希望吸女粉的，但事实上这部剧是体嫌口正直，充满彻头彻尾的直男气息：比如肖枫的名字与sky李晓峰谐音（xiaofeng），剧中还致敬csgo主播茄子吃完饭拿窗帘擦嘴的经典细节。
但男频难出圈几乎是剧集市场默认的共识：男性观众不像女性是分散型审美，服化道剧情有一项加分就能看下去，他们对于剧的要求更高，但在社交网络上的发声更少。
虽然现在观众已经有探索彩蛋的习惯，但《穿越火线》这种需要一定的电竞知识才能发现的彩蛋，对普通观众来说可能就并非享受了。
能吸引这种专业观众固然很好，但某种程度上，这些专业反而可能因为过于直给而造成赶客：一位普通女性观众打开《穿越火线》，可能看的只是基本剧情，这些信息对她来说可能更像是一种干扰。
不相信这一点的可以回头去看看《亲爱的热爱的》，这部在女性圈层大爆的电竞剧连是个什么游戏都没讲明白，很多人只看李现。
现在的观众耐心是非常有限的，一看你上来一顿花俏的打斗，很多女性观众看不懂，直接关掉走人。平台一直说的生死七分钟，不止针对制作，也针对性别体验。
事实上腾讯是有更好的适合全性别改编的游戏IP的，比如《王者荣耀》和《和平精英》，这两个游戏的性别分布都更均衡，也更时髦。
不过客观地说，虽然言情含量不高，《穿越火线》作为电竞剧仍然做出了非常多有益的探索。比如时不时出现的喜剧元素，比如贯穿始终的两位男主的自我成长。
打游戏的少年没有钱，女朋友也离开了他，只有一腔热血，运气不好还会被家人送去网瘾戒断中心。这部剧里的电竞少年不是总那么光鲜的，他们邋遢、贫穷、没有正经工作，尝遍人情冷暖。
这让人想到SKY李晓峰的经历：上大专的时候，他为了打游戏，每天只吃一块钱的水煎包；他总是输，输到想跳楼。作为现在的中国电竞第一人，他成名前经历过太多失败，以至于后来那篇GQ的报道标题就叫《失败者李晓峰》。
甚至还有一条悬疑故事线，一开始观众觉得是肖枫改变路小北的过去，后来看着看着才发现路小北才是扇动翅膀的那只蝴蝶。
未来整个电竞剧品类还有没有机会破圈？
随着王者荣耀和和平精英这样的国民级游戏出现，游戏用户和剧集用户逐渐交叠，机会是必然存在的，只是要如何从直播和赛事里抢用户时间，如何矫正一系列错位，电竞剧要走的路，还有很长。
第295章
《快乐大本营》时隔14年的再度正式纳新，进行得并不顺利。启动全新企划《站稳了朋友》，翟潇闻、张颜齐、金子涵、周也等32位娱乐圈新锐开启同台竞技，最终获胜的新人可以常驻12期《快乐大本营》。
然而当晚《快乐大本营》播出后，却收获0.44%的23年来最低收视率记录，不少观众都对新企划所呈现出的效果感到不满。
但即使不顺利，纳新也势在必行。过去几年里《快乐大本营》一直通过各种非官方渠道招揽新人，从《嘿！好样的》里脱颖而出的李浩菲、通过《声入人心》被关注到的仝卓等人，都曾在节目中常驻过，可最终都没能在这个舞台上站下去。
因此此次由快本方面直接选秀纳新，也被很多人看做是节目组对于创新迫切感的一种体现。
在宁远看来这并不意外。因为就在快乐家族不动如山的这十多年里，外面的世界其实早就换天地：伴随着台综的落寞，作为老牌综艺节目标志的主持人，纷纷开始淡出大众的视野，甚至于主持人这个角色，都在网综时代变得微妙起来，电视台的人才的流失与断代便也在所难免。
虽然最近几年，《明星大侦探》《乘风破浪的姐姐》等芒果系综艺屡屡成为话题，可这些热门内容背后，湖南台却再难有新生代主持人涌现，更遑论能够匹配得上何炅、汪涵等人国民知名度的人。
而今的《站稳了朋友》或许能为快本带去话题度和新内容，但想让它成为扭转大趋势的那把钥匙，并不太容易。
一个不可否认的事实是，曾经那个无比灿烂的综艺主持人时代，真的要落幕了。
湖南小伙何炅远离故土、北上求学。求学期间，他获得主持央视《大风车》中《聪明屋》栏目的机会，正式踏入主持圈。
也就在何炅人生开始转折的这年，湖南有线电视二台开播，只不过这件小事，在历史上并没留下太多声音。
毕竟当时还是湖南广播电视台历史上最黯淡的一段日子。彼时湖南台还没有上星，节目也乏善可陈，整天都在播放各种猪饲料广告，对观众的吸引力不仅比不上央视，甚至还不及省内的长沙台。
收视不佳、电视台实际收入也很低，台里为了创收，甚至将编导们都放出去开办餐馆、砖厂。
从90年代开启时就担任台长的魏文彬，一直有对积弊严重的湖南台进行改革的夙愿，而就在湖南有线电视二台开播开播后的一年，他终于等到了可以大展拳脚的机会。
面对眼前的一潭死水，想要激活它的魏文彬决定不破不立。建设一套符合市场化原则的用人制度，比如开放的人才准入机制，刚性的淘汰机制，倡导竞争的激励机制。当这套制度释放出强大的生命力之后，再反过来在体制内进行复制和推广。
经过多轮竞争后，欧阳常林得到经视台长的职位。后者在研究大量海外的电视资料后，提出了重视主持人概念、对主持人进行包装，推出了主持人年薪制度，试图以高薪吸引优秀人才、打造名牌主持人。
这场大刀阔斧的改革，吸引到全国各地的电视播音人才前来大展身手，变成湖南台命运转折的契机。
筹备阶段，刚从浙江传媒学院毕业一年的湖南女生龙丹妮，辞去阳江电视台的工作，成为了湖南经视的第一批员工。
一年之后由她担任制片人的《幸运3721》在湖南经视正式开播。该节目首度将游戏元素引入综艺，开创了国内综艺节目的新形态，并就此一炮走红。
播出的4年间，《幸运3721》收视率一直稳居湖南省第一，当时湖南电视圈里甚至有黑色星期六的说法，因为50%的湖南人都在这一天晚上收看这一个节目。
而《幸运3721》在捧红奇志与大兵等本土笑星的同时，也让主持人孙鸣杰和仇晓开始为人所知晓，成为了经视第一批当家主持人。
龙丹妮操盘的国内最早的真人秀《真情对对碰》在湖南经视播出，主持人之一仍是仇晓。而在选拔男主持的时候，进入湖南经视两年、工作极有冲劲的汪涵引起了仇晓的注意，经过她的推荐，原本是从事幕后工作的汪涵获得试镜机会，最终成功被选为《真情对对碰》的男主角，走上主持的道路。
以央视9套为代表的十几个电视台集体上星，湖南一套名列其中，打响走出湖南的第一枪。同年7月同样加入游戏元素的《快乐大本营》正式播出，这档播出二十多年的王牌综艺，就此走入大众视野。
《快乐大本营》活泼的节目形式，给了嘉宾更多与观众、主持人互动的机会，但也就要求主持人不能完全依靠台本念台词、走流程，对于其控场和应变能力是极大的考验。
基于这样的要求，在挑选主持人的过程中，主持过《晚间新闻》、形象姣好的李湘很快被敲定下来，成为《快乐大本营》的第一位主持人。
不过男主持的选择同样没有那么顺利。因为迟迟没能找到合适的人选，第一期《快乐大本营》播出时，节目组只好临时拉来主持过《晚间新闻》《乡村发现》的李兵，李湘在介绍他的时候，也只是称其为《快乐大本营》的友情主持。
从第二期节目开始，男主持换成了谈吐幽默、面容俊朗的海波。然而虽然海波的主持经验丰富，但当时以直播形式播出的《快乐大本营》主持难度较大，电台主播出身的海波，始终没能适应这类综艺的主持风格，在和李湘共同主持8个月之后，他便主动提出离开。
节目组只好再度开始试镜海选，寻找新的代班主持。而试镜到当时还在央视的何炅时，所有人都觉得新主持人找到了。
李湘配何炅的组合持续了一年多时间，经由何炅推荐，李维嘉来到《快乐大本营》，成为节目的外景主持人，并在两年后正式加入了《快乐大本营》的棚内主持。
《快乐大本营》早期最为大众熟知的主持阵容就此确立，湖南卫视首个为全国观众所接纳的主持天团也初现雏形。
黄金一代！
第296章
但也是这一年，快本迎来首次大变革。
先是李湘转行制片并下海经商，离开快本的舞台；同年广电发布《关于促进广播影视产业发展的意见》，提出将除新闻宣传以外的社会服务、大众娱乐类节目的制作经营从现有体制中分离出来。
实行所有权与经营权分离，自主经营、自负盈亏。这加剧国内电视创作的市场化浪潮，也让更多台综开始走入大众视野。
为了应对变革所带来的挑战，湖南卫视内部在经过新闻立台和娱乐立台抉择之后，最终决定面向市场，走年轻化、娱乐化的道路。
而变革快本和选拔新主持的重任，也这次的改革中落在制片人龙梅的肩上。在这种品牌定位的指引下，龙梅决定放弃《快乐大本营》本来看家的明星娱乐路线，“现场PK”等泛娱乐化概念和“萝卜蹲”等互动性、娱乐性较强的游戏环节，开始出现在《快乐大本营》舞台上。
这种改动让生性活泼、曾作为小主持登上过《快乐大本营》的谢娜脱颖而出，受到龙梅的关注，04年谢娜正式加入《快乐大本营》的主持阵容。
迎来新生的同时，湖南卫视也迎来又一个关键节点。经过一年的摸索与沉淀，作为国内电视选秀节目鼻祖的《超级女声》，在05年掀起了一场狂欢。而作为节目主持的汪涵也成受益者，开始为全国关注所知晓。
一年后原本名不见经传的汪涵挤进《最具价值主持人》排行榜，以2.4亿元的品牌价值位列第五，超过原本在榜的央视主持人白岩松和朱军等人。
在这个充满变革的时间点，一直在谋求创新的大本营又再度决定进行革新。
05年《快乐大本营》开展了主持人淘汰赛，由何炅、李维嘉和谢娜三人角逐留下的名额，最终何炅以超过70万张观众投票获得第一，李维嘉、谢娜离开。
同年年底推出主持选秀节目《闪亮新主播》为《快乐大本营》选拔新主持人，最终选出冠亚军杜海涛、吴昕，入选主持阵营。
可由于观众对于李维嘉和谢娜留下的呼声较高，几经波折之后，二人正式回归，与何炅、吴昕、杜海涛以快乐家族的形式出现在大众视野里。
至此大本营历史上最长久且稳定的主持团队，正式登上历史舞台。直到今天，这仍是全国范围内经营得最出色的主持IP。
快乐家族的成功先例在前，湖南卫视汲取经验，开始打造新的IP。老牌节目《越策越开心》原班人马制作的娱乐脱口秀《天天向上》在湖南卫视播出，由老大哥汪涵，率领欧弟、钱枫、田源、俞灏明、矢野浩二等组成天天兄弟，成立国内第一支主持男团。
与稳定的快乐家族不同，天天兄弟可谓命途多舛，人员经历过多次更替，唯有团队核心汪涵始终稳如泰山，并逐渐成为何炅外，湖南卫视的另一大牌面。
在卫视综艺最鼎盛时，舆论场上为何炅、汪涵谁才是芒果一哥争论不休，网友们对于比较他们参与主持的节目收视、跨年晚会数量等感到乐此不疲。
能在同一时期拥有两位最具国民度的主持，足以说明湖南卫视的当时强盛。而在强大的主持人群体和极具创造性的编导团队的支持下，湖南卫视也在21世纪的头个10年迎来自己的黄金年代。
那时湖南广电系的主持阵容有多强？
事实上除了快乐家族和天天兄弟，彼时光是湖南卫视就坐拥一大批青年才俊。而这也在当时成为了一种甜蜜的烦恼？
很多人都认为头部主持的光辉，让很多年轻人很难拥有机会。
或许是因为没有太多机会，或许是另有打算，碰巧当时正是江苏卫视、浙江卫视发力之时，推出了《非诚勿扰》等爆款综艺，让很多芒果台的年轻人有了去意。
有湖南卫视四小天王之称的青年主持李好、李响、彭宇和马可纷纷离职，并出现在《一站到底》《职来职往》等节目的舞台上。
他们的离去并没有撼动湖南卫视的地位，因为那些年里芒果台踩中另一个新风口，真人秀。
在收视和营收两方面表现突出的湖南卫视，一时间风头无两。但是正处于盛世的湖南电视人们或许不曾想到，命运的转折和考验，会来得这样迅速。
盛世之后的危机！
十年前的那轮离职潮，只是时代变革的序幕。往后几年各大电视台都开始出现大批人员离职，甚至就连不少央视的主持人——崔永元、李咏、马东等，都放下手中的金饭碗，转而选择其他的机会。
湖南广电真的危机也诞生在这一时间，打造过《超级女声》《天天向上》《爸爸去哪儿》等爆款节目的制片人易骅、张一蓓、谢涤葵等先后离开湖南广电，其中有不少人都选择带着制作团队自立门户。
相较于上一轮年轻主持人的离开，优秀的制作团队直接影响综艺内容的制作能力，也为日后更大的变革和行业话语权的颠覆埋下伏笔。
离职潮的出现，和电视系统的所处的大环境不无关系。李咏早在《梦想中国》的分区决赛时，便对媒体感慨很多好玩的东西无法呈现。
选秀节目受到的限制变多后，龙丹妮主导的天娱传媒提出的很多节目方案一直未被湖南广电采纳。
湖南广电也多次因为娱乐立台、度娱乐化等而受到相关部门的批评……
一时之间，寻找一片新天地成很多从业者的重要诉求？
哪里是他们想要的新天地呢？
飞速发展的互联网，提供相对开阔的平台。随着互联网在大众生活中占比加重，主要媒介形态也开始变迁，观众从电视流向了互联网。
受众的迁移，也决定内容资源的倾斜。人才和观众的流失，让电视综艺和网络综艺的地位彻底反转，如今网综反向输送到台已经成为常态，包括《哈哈农夫》《忘不了餐厅》在内的十余档网综均成功上星一线卫视。
而很多热门网综背后，正是从卫视出走的电视人们：《偶像练习生》背后的鱼子酱文化团队，领头人雷瑛和陈刚分别曾是湖南卫视闻中心副主任和《快乐男声》总导演。
打造出《创造101》的都艳和孙莉，曾是《我是歌手》的总导演和总编剧；《中国有嘻哈》的总编剧岑俊义，曾是《奔跑吧兄弟》前三季的总导演。
易骅参与打造了《这！就是灌篮》；而龙丹妮和哇唧唧哇，则成了网络偶像生态里最常出现的名字之一。